domingo, 28 de agosto de 2016

Referencias narrativas y de articulación del relato audiovisual



En principio tomamos como principal referencia Abrir puertas y ventanas (2011 - Mumenthaler ). Porque creemos que tiene como núcleo duro un drama familiar y una casa como espacio diegético de vital importancia para el proceso de acciones de los personajes, y como escenario que condensa toda esa energía que inunda a las protagonistas.


Acoplo un fragmento de un artículo de P.12: “Abrir puertas y ventanas se siente orgánica porque fue trabajada de modo orgánico, sin preocuparse tanto por obedecer a un guión de hierro como por construir, en conjunto, climas, personajes y relaciones (ver entrevista). Relaciones que, desde ya, incluyen a la casa. Una casa que, se advierte desde el comienzo, no es tanto la de Marina, Sofía y Violeta como la de su pasado. Hay mucho pasado en esa casa. Pasado absoluto, que revelan los objetos: el televisor con antena tipo “orejas de conejo”, un tocadiscos y muchos discos, un ventilador de puro hierro, la vieja radio Noblex. Pasado detenido, cristalizado: los objetos de mamá y papá, que quedaron para siempre, así como estaban, en el garaje. Pasado de Marina, Sofía y Violeta, con placares y estantes llenos de juguetes de cuando eran chicas. Patines, esquíes, zapatos y zapatillas que ya no les van.”


Por otro lado, el tratamiento del personaje con relación al tiempo pasado  y su presente debe ser construido a partir de la memoria que evocan los objetos de la casa (tanto como el lugar y la casa misma).

Como próxima referencia, se plantea Cría Cuervos (1975 -Saura): “Cría cuervos es una película sobre el pasado, sobre la muerte del pasado y su carácter liberador. El director establece la narración en el pasado pero como si fuera presente, de esta manera, subraya el peso del pasado en el presente”.


Por otro lado, otra pelicula contemporanea a Cria cuervos es El Sur (1983 - Erice). Erice regresa a las tinieblas y las oscuridades de la infancia como origen de toda emoción, pero lo hace, con tal luminosidad de espíritu, con tal refinado conocimiento del alma, que donde hay tinieblas y lejanía él propone lucidez y clarividencia, donde hay dolor y amargura, él regala compasión y misterio infinitos, a través de la mirada de una niña, Estrella, y de la complejísima relación que la une con su padre, Agustín.




Como próxima referencia, está Orly (2010 - SCHANELEC) por su tratamiento autoral con los actores y la interpretación de sus personajes. Por ejemplo, según la autora en una entrevista:

– El entorno afecta particularmente a sus personajes.
–Siempre imagino las escenas, las historias incluso, en relación con un espacio determinado. Cuando escribo una ficción, lo primero no es la historia ni el personaje, sino el espacio. En ese espacio se inscriben el personaje y la historia. Tanto me importan los espacios fílmicos que mis primeras películas las filmé en mi propia casa o las de mis amigos.
–De acuerdo. ¿A qué se debe la preferencia por los planos fijos?
–Yo fotografío el espacio, y el espacio no se mueve. En ocasiones, cuando se mueven los personajes, los sigo con panorámicas o travellings. Pero otras veces dejo que entren o salgan de cuadro y mantengo el encuadre sobre el espacio vacío, para recordarle al espectador que hay un fuera de campo en el que la vida de esos personajes continúa.
–En sus películas aparecen muchas familias, en general destruidas o en crisis.
–Creo que la relación madre–hijo es esencial. En Atardecer, esa relación está destruida. Hasta el punto de que la madre no impide una decisión extrema del hijo, que la sumirá en la clase de dolor del que no se vuelve. Pero no en todas mis películas es así. [Duda] ¿No hay relaciones familiares positivas en mis otras películas?
(...)


Siguiendo, Mirror (1975 - Tarkovski) es la película más personal de Tarkovski, la más arriesgada, la más sincera y la más sentida. “Asumiendo que el público, de cualquier parte del mundo, se identificará anímicamente con sus recuerdos. El cineasta esperaba que, por percepción intuitiva, su público asociarse los acontecimientos de una manera totalmente personal, sin el menor resquicio de duda. La colección de recuerdos de Tarkovski abarca momentos con su madre, en la casa de su niñez, recuerdos de conversaciones dolorosas, relatos a los que no asistió como los problemas laborales de su madre, el regreso de su padre de la II Guerra Mundial, sueños, remembranzas distorsionadas…” (blog de cine)


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Tambien, La Doble vida de Veronica ( 1991 - Kieslowski) por sus imágenes que poseen una fuerza inusual y extraña, que con situaciones simples y típicas logran arrastrarte a un pozo infinito de sentimientos. Las miradas, a través de los ojos de su protagonista, se convierten en pura poesía en movimiento. Todo cubierto de un tono ligeramente fotográfico de color “sepia”, en ocasiones, que refuerza su carácter poético y clásico, o rojizo, que añade pasión a la vista. Con todo esto, Kieslowski utilizó todo su arsenal plástico y sus obsesiones e ideas protagonistas en su anterior filmografía, solventando lo político, para conformar una auténtica pieza de orfebrería, de bellísima factura y delicado tratamiento. Kieslowski, que hasta el Decálogo no había cuidado especialmente su fotografía o los detalles más sensibles, parece reinventarse en esta nueva etapa francesa para indagar especialmente en los detalles, en la búsqueda de lo más íntimo. De alguna manera, no deja de ser la misma obsesión vouyerística que en sus orígenes, pero a la inversa. De todas formas, hay otros muchos detalles en la película considerables dentro del terreno emocional que desvían la atención hacía lo sensitivo, hacia el éxtasis sensorial prácticamente, como punto de conexión espiritual.  De hecho, todo el film está tintado con un filtro dorado, que, según el propio Kieslowski, realzaba la belleza de todos los escenarios. Es un filtro bellísimo que nos sumerge en una película única. Una abrumadora experiencia estética, incluso para todos aquellos que se acerquen a visitarla esperando encontrar más conexiones dramáticas y narrativas.


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